Revista :Estúdio

O Estúdio nas tuas mãos

Os 17 artigos selecionados pera este número 16 da Revista Estúdio estabelecem relações com o espaço urbano, recordando as aproximações críticas da etno-metodologia, de Georges Perec e da proposta da 'deriva' como pré-ocupação revolucionária do espaço modernista, de Guy Debord. Entre as pessoas e os objetos estão possibilidades, estilos de vida. Entre uns e outros há um consenso para fracturar, para questionar. Para interrogar os caminhos, é preciso conhecê-los, e para os conhecer é preciso desconhecê-los: depois vem a proposta, a inovação, a invenção. As matérias fazem-se de pensamento, sabem os artistas. É com estas matérias que ocupamos os nossos Estúdios.

The 17 articles selected for this issue 16 of Revista Estúdio establish relations with the urban space, recalling the critical approach of ethno-methodology, by Georges Perec and also the proposal of 'drift' as a revolutionary pre-occupation of modernist space, by Guy Debord. Between the people and the objects there are possibilities of different lifestyles. Between one and the other, there is a consensus to be fractured, to be questioned. In order to examine paths one needs to know them; and in order to know them one needs to be ignorant of them. Then innovation and invention can occur. The artists know: materials are made of thought. With these materials we occupy our studios.

A dimensão do desenho nas esculturas de Evandro Soares

Este artigo descreve o processo de criação do artista brasileiro Evandro Soares, discorre sobre os procedimentos realizados por ele ao trabalhar com a matéria metálica (ferro e arame) através das técnicas de solda, corte e dobra afim de elaborar geometrias complexas nas esculturas produzidas, elucidando a vocação destas se portarem simultaneamente como desenhos espaciais - ou esculturas lineares, ao fazerem convergir, em um mesmo espaço expositivo, situações instalativas e recursos bidimensionais e tridimensionais.

This article describes Brazilian artist Evandro Soares’s poetic process. It discusses the procedures applied when working with metallic material (iron and wire) through welding, cutting and bending techniques in order to create complex geometries in his produced sculptures. This process points out the characteristic of his sculptures being simultaneously as spatial drawings or linear sculptures since they converge in the same exhibition space particular situations and two-dimensional and three-dimensional features.

As paisagens submersas de Emanuel Monteiro

Este artigo tem como objetivo analisar a relação entre a matéria, o tempo e a memória no trabalho do artista brasileiro Emanuel Monteiro. Para tanto, os escritos de Gastón Bachelard, sobre a imaginação material serão de grande importância.

This article aims to analyse the relationship between matter, time and memory in the work of Brazilian artist Emanuel Monteiro. To this end, the writings of Gaston Bachelard on material imagination will be of great importance.

O múltiplo em publicações de artistas: Röhnelt, Cattani e Mutran

Este artigo enfoca o livro de artista apresentando diferentes abordagens de três artistas contemporâneos radicados no sul do Brasil: Mário Röhnelt, Maria Lucia Cattani e Flavya Mutran. Cada qual criando de uma maneira singular um múltiplo sob forma de livro de artista.

This article focuses on the artist's book presenting different approaches of three contemporary artists based in southern Brazil: Mario Röhnelt, Maria Lucia Cattani e Flavya Mutran. Each one creates in their own way a multiple as an artist book.

Fioravante e o vazio: o desenho como estratégia de ausência

O artigo trata da produção de Marcos Fioravante e a estética do abandono, isolamento e vazio. O contraste entre o branco do papel e a sobreposição de zonas sombrias no desenho, que traz um caráter tátil ao desenho, são aqui relacionadas com a tensão entre a presença (do desenho) e a ausência (do referente, a fotografia) O objetivo é refletir sobre uma possível filosofia da ausência e o desejo de transformação dos documentos de trabalho do artista em obras, e, com metodologia dialética, tratar do tempo de espera e latência da fotografia e do desenho.

The article surveys about Marcos Fioravante's drawings, and his aesthetics of abandonment, isolation and emptiness. The contrast of the paper's whiteness and the overlaps of shadow zones brings a sense of tactility to drawing, here compared with the tension between the presence (of drawing) and absence (of the reference, the photo). The goal is to think about a possible philosophy of absence and the desire of transformation from artist's documents in drawings, with dialectical methodology to think about the time of waiting and latency of photography and drawing.

Between covens and pictorial reconfiguration: an approach to the work of Jose Carlos Naranjo

Esta comunicación centra su análisis en la pintura de José Carlos Naranjo. El acercamiento a su universo se llevará a cabo a partir desde tres puntos de vista. En primer lugar, desde la indagación en su imaginario personal a través de sus espacios nocturnos y sus figuras de espaldas o en sombra. En segundo lugar, desde el estudio de su proceso de trabajo a partir de una pintura construida intuitivamente. Y por último, su vinculación con la tradición de la historia de la pintura.

This paper focuses its analysis on the painting of José Carlos Naranjo. The approach to his universe will carry through from three points of view. First, from the inquiry into his personal imaginary through nocturnal spaces and figures behind or in shadow. Second, from the study of his work process from a painting built intuitively. Finally, his link with the tradition of the history of painting.

Claudia Coca: the self-portrait of a society

Claudia Coca, artista visual y activista cultural peruana, ha hecho del autorretrato un reflejo crítico de la sociedad. A través de su historia de vida ha abierto las puertas para comunicarse con otras historias de mujeres y con la misma historia del mestizaje peruano, concepto central de la fusión biológica y / o cultural en América Latina. En sus proyectos de arte, el cuerpo de la mujer se refiere a mestizaje, hibridación, transculturation. Tiene una historia: la historia de la identidad cultural y racial en América Latina.

Claudia Coca, Peruvian visual artist and cultural activist, has made a critical self-portrait mirror of society. Through her life story has opened the doors to communicate with other stories of women and with the same story of the Peruvian 'mestizaje,' central concept of biological and/or cultural fusion in Latin America. In their art projects, the woman´s body refers to mestizaje, hybridity, transculturation. It has a history: the history of cultural and racialized identity in Latin America.

A geometria de Rui Effe: um sensível conceito

Este artigo reafirma a ideia de que a teoria semiótica, em sua matriz norteamericana, pode ser percebida como plataforma crítico-criativa, no universo das artes contemporâneas. Um significativo exemplo: o artista português Rui Effe. Ele mesmo, professor da disciplina Semiótica no Instituto Politécnico do Cávado e Ave, em Barcelos, faz uso expressivo de uma sensível geometria que, através da observação atenta da paisagem, define uma visualidade mediada por estruturas, aparências e conceitos reveladores de agudo conhecimento semiótico - fazendo convergir prática e consciência de linguagem.

This article reaffirms the idea that semiotic theory in its North American headquarters, which can be perceived as critical and creative platform, in the universe of contemporary art. One significant example is the Portuguese artist Rui Effe. He, by himself, professor of semiotics discipline at the Polytechnic Institute of Cávado and Ave, in Barcelos, makes significant use of a sensitive geometry that, through careful observation of the landscape, he defines a visual mediated structures, appearances and revealing concepts of acute semiotic knowledge - bringing to converge practice and consciousness of the language.

Indexical signs of the body: traces of life in the production of Alberto Greco

Este texto propone recorrer parte de la obra del artista Alberto Greco, uno de los antecedentes más significativos de la vanguardia argentina de los años 60. El objetivo es establecer ciertas correspondencias entre sus acciones artísticas y la producción de una selección de artistas contemporáneos latinoamericanos que abordan los conceptos de cuerpo, ausencia, presencia, e identidad.

This text aims to trace part of the work of the artist Alberto Greco, one of the most significant history of the art of the 60s Argentina The objective is to establish certain correspondences among his artistic activities and the production of a selection of Latin American contemporary artists who address Body Concepts, absence, presence , and identity.

José Miguel Pereñíguez: representing the soul through the drawing

This paper analyzes two main aspects of the painter José Miguel Pereñíguez: the first one, the interpretation of the ontological fact as finding of vital loopholes; the second one, drawing as theme, document and discipline, that emphasizes the instant, understood as a hub of change, which calls into question the way of perceiving the represented.

Esta comunicación analiza dos aspectos fundamentales de la obra del pintor José Miguel Pereñíguez: uno, la interpretación del hecho ontológico como búsqueda de resquicios vitales; dos, el dibujo como tema, documento y disciplina, que subraya el instante, entendido como centro neurálgico del cambio, que pone en duda el modo de percibir lo representado.

The phantasmagoric university in the work of Pekka Jylhä (1955- )

Nos adentramos en el universo de las fábulas mitológicas de la cultura popular de occidente, donde toman protagonismo el reino animal, ya sea por la presencia del gato negro, del chivo o aquellos otros que tienen relación, bien por el hábitat nocturno o su pelaje o plumaje negro, para presentar a través de nuestro artículo la obra del artista finlandés Pekka Jylhä. El interés generado atiende a los contenidos fenomenológicos vinculados con la oscuridad y su concepción a través del arte contemporáneo, donde a su vez, subyacen concepciones sobre la dualidad de las cuestiones existencialistas que el hombre se ha plantado desde el principio de los tiempos.

We enter in the universe of mythological fables of western popular culture, which has taken leadership the animal kingdom, either by the presence from the black cat, the goat or those that are related, for the overnight habitat or their black's fur or feathers, to present through our article the work of Finnish artist Pekka Jylhä. The interest generated serving the phenomenological contents linked with darkness and his conception through contemporary art, which in turn, underlying ideas about the duality of the existential issues that man has been planted since the beginning of time.

The Night Germination: On Santi Queralt's Painting

El artista español Santi Queralt entiende la práctica de la pintura como un diario visual, resultado de la dedicación cotidiana y una actitud ética. Desde sus bases elementales del color, la materia y la gestualidad, fiel a una tradición vanguardista, el artista reformula su discurso conduciéndolo hacia una abstracción orgánica contemporánea, donde estructuras celulares ramificadas, unas formas de biología complejas, de composición topológica, describen una nueva realidad autónoma de un mundo en metamorfosis constante.

The Spanish artist Santi Queralt understands the practice of painting as a visual diary, the result of daily commitment and an ethical attitude. From the elementary bases of colour, matter and gesture, true to avant-garde tradition, the artist reformulates his discourse leading them towards a contemporary organic abstraction, where branched cellular structures, some forms of complex biology, topological composition, described a new reality independently of a world in constant metamorphosis.

Estruturas de luz: a fotografia artística de António Quaresma

O artigo propõe uma análise do trabalho do artista António Quaresma. Não encontraremos uma analise rígida formal, mas sim uma organização da sua estrutura sensorial, objetivando mostrar ao observador a construção artística do ato fotográfico, revelando-nos a fotografia como arte. A análise do seu trabalho foi dividida em fases: retratos, paisagens, fotogramas, flores, foto montagem e erro na fotografia. O resultado é uma impressão fluída, quase como uma aquarela, com transparência e cores fortes.

The article proposes an analysis of the work of artist Antony Lent. We will present a sensory structure organization, aiming to show the viewer the artistic construction of the photographic action, revealing us photography as art. The analysis of his work was divided into phases: portraits, landscapes, flowers, frames, photo montage and error in photography. The result is a fluid, almost like printed, or like watercolor, with transparency and strong colors.

Sob o céu de Veneza: o português João Louro e o brasileiro André Komatsu

O mundo atual afigura-se a uma complicada teia de eventos; artistas narram história/obra nos vários modos de expressão. Fazemos proposta de interpretação/leitura das poéticas de João Louro e André Komatsu, artistas contemporâneos, que participaram da 56ª Bienal de Veneza em 2015, o primeiro português, o outro brasileiro. Louro apresentou-se no Palazzo Loredan e Komatsu no Pavilhão do Brasil. Desordens sociais e urbanas fazem parte da preocupação das obra de artes compõem a ideia atual de uma estética da iminência e algumas vezes distópica.

Today's world seems a complicated web of events; artists narrate in various modes of expression. We propose an interpretation / reading of João Louro and André Komatsu, contemporary artists, who participated in the 56th Venice Biennale, in 2015 being the first Portuguese, the latter Brazilian. Louro stood in the Palazzo Loredan and Komatsu in the Brazil Pavilion. Social and urban disorders are part of the concern of artworks and build the current idea of an aesthetic of immediacy, and sometimes dystopian.

Arte contemporânea: proposições olfatórias e gustativas

Este artigo trata de questões da arte contemporânea, cujos limites são diluídos nas relações que se estabelecem entre procedimentos e suportes, bem como na exploração de outros sentidos, e não apenas na apreciação por meio da interpretação da visão. Aborda proposições poéticas das artistas brasileiras Isabel Sommer e Lucimar Bello, que provocam experiências estéticas com os sentidos do olfato e do gosto, gerando novos diálogos com a arte.

This article is about contemporary art matters, whose limits are diluted in the relations that are established between procedures and form, as well as in the exploitation of other senses, and not only in the appraisal done through vision interpretation. It approaches poetic propositions of Brazilian artists Isabel Sommer and Lucimar Bello, that provoque aesthetic experiences through the senses of smell and taste, generating new dialogues with art.

**On The State of the Art a performative essay (2015) by Helena Cabello and Ana Carceller: a procedural reading its constituents**

Este artículo se refiere al trabajo de Helena Cabello & Ana Carceller mostrado en la 56 Bienal de Venecia (2015). En él, según propuesta comisarial, las artistas se refieren a la figura de Salvador Dalí. El proyecto cristaliza en una instalación que comprende tanto un video como la presentación de ciertos elementos, citas y objetos simbólicos que estructuran la trama audiovisual. Así, aludiendo a la enigmática relación del artista con la misteriosa Amanda Lear, Cabello & Carceller despliegan múltiples referencias que remiten a la construcción identitaria y la capacidad política de lo drag como espacio para la realización de disidencias.

This article refers to the work of Helena Cabello & Ana Carceller shown at the 56th Venice Biennale (2015). In it, according to the curatorial proposal, the artists refer to the figure of Salvador Dalí. The project crystallized in an instalation that includes both a video and the presentation of certain items, quotes and symbolic objects that structure the audiovisual frame. Thus, referring to the enigmatic relationship of the artist with the mysterious Amanda Lear, Cabello & Carceller display multiple references that refer to the construction of identity and the political capacity of the drag as a space for the realization of dissent.

The emptiness and loneliness of "non place" in the work of Ángeles Marco

El artículo establece una relación entre los temas, los materiales y los elementos utilizados en la obra de la artista valenciana Ángeles Marco con "los no lugares" de Marc Augé. Se analizan dos de sus series "El tránsito" y "El salto al vacío" buscando las similitudes con esos lugares no antropológicos que Augé denominó "los no lugares". También se establece una analogía de la artista valenciana con la artista contemporánea Monika Sosnowska.

The article establishes a relation between the topics, the materials and the elements used in the work of the Valencian artist Angeles Marco with "the non places" of Marc Augé. There are analyzed two of his series "The traffic" and "The jump to the emptiness" looking for the similarities with these not anthropologic places that Augé named "the non places". Also there is established an analogy of the Valencian artist by the contemporary artist Monika Sosnowska.

Pele Preta: a poética da luz

O artigo proposto tem por objetivo refletir acerca do trabalho seminal da fotógrafa artista Maureen Bisilliat, Pele preta. O ensaio fotográfico Pele preta foi realizado na década de 1960. A série aqui trabalhada é composta por 23 imagens em preto e branco de três modelos negros: uma mulher, um homem e uma criança, além de imagens de ex-votos. Através dessas imagens a artista afirma sua visão política e social da sociedade brasileira aliada a uma poética da luz com traços surrealistas. Conceitos como o de Fotografia Menor (Gonçalves, 2009) e o de Imagem Cristal (Deleuze, 2007; Fatorelli, 2003) estarão presentes.

The proposed article aims to reflect on the seminal work of photographer artist Maureen Bisilliat, Black Skin. The photographic Black Skin essay was conducted in the 1960s. The series consists of 23 black and white images of three black models: a woman, a man and a child, and votive images. Through these images the artist asserts her political and social vision of Brazilian society combined with a poetic light with surrealist features. Concepts such as Photography Minor (Gonçalves, 2009) and the Crystal Image (Deleuze, 2007; Fatorelli 2003) will be present.