Revista :Estúdio

Criação: da totalidade à hibridação

A arte estabelece uma articulação entre o pensamento e a coisa, com uma crescente emancipação face a convenções. Mas a emancipação da arte inclui a sua negação ao exigir uma dependência, escondida, da tecnologia. O suporte, antes de ser sensibilizado, já é portador de uma intenção, uma utilidade. Importa, nos contextos abordados na revista Estúdio 14, identificar propostas artísticas, identitárias, interpeladoras. Propõe-se um itinerário de ligações entre pessoas, culturas, passados e presentes, pela arte: uma ligação intermitente com os objectos, os materiais, que ora se tornam vestígios festivos, às vezes cifrados, mediatizadores de uma ligação mais profunda que radica na condição humana.

Art establishes a link between mind and matter, with an emerging emancipation escaping from convention. But the art emancipation includes its denial by requiring a dependency, hidden in technology. The support, before being touched, is already filled with intention, its utility. It matters, in the contexts discussed in the "Estúdio" issue 14, to identify the different artistic proposals and their identities. We propose a route of connections between people, cultures, past and present, art: an intermittent link with objects, materials, which sometimes become festive, sometimes encrypted, media to a deeper connection that underlies in the human condition.

D. João Marcos: Bispo e pintor de retábulos hoje

Dom João Marcos (n. 1944), Bispo coadjutor da diocese de Beja, com formação artística em Artes Plásticas Pintura, possui uma obra retabular notável. Os seus modos de operar privilegiam acima de tudo os momentos sublimes do fazer em franca sintonia com a dimensão espiritual do homem e da vida. No âmbito de uma cultura ocidental, de matriz eminentemente cristã, a sua pintura é integrável na estética do Caminho Neocatecumenal, um ramo consequente do Concílio do Vaticano II.

Dom João Marcos (b. 1944), coadjutor Bishop of the Diocese of Beja, with artistic training in Fine Arts Painting, has been making many notable altarpieces. Above all, his way of operating privileges the sublime moments of open mind in harmony with the spiritual dimension of man and life. As part of a Western culture eminently Christian, the matrix of his painting is integrated in the aesthetic of a Neocatechumenal Way, a sizeable branch of the Vatican Council II.

O diálogo nas imagens de Ayrson Heráclito

Este artigo faz uma reflexão sobre o trabalho do artista plástico Ayrson Heráclito exibido em 2015 na exposição do prêmio Novo Banco Photo, em Lisboa. Ao fazer uso da fotografia e do vídeo para apresentar visualmente a relação de dois continentes com a questão histórica da escravidão, o artista estabelece um diálogo em diferentes níveis, entre mídias e culturas. Busca-se pensar o conceito de diálogo nesta obra a partir das proposições do pensador russo Mikhail Bakhtin.

This article reflects on the artist Ayrson Heráclito's work displayed in 2015 at the exhibition of the Novo Banco Photo award in Lisbon. Using photography and video he visually present the relationship of two continents with the historical question of slavery, the artist also establishes a dialogue at different levels between medias and cultures. The concept of dialogue described by Mikhail Bakhtin is recovered to think this work.

Narrativas Ficcionais de Tunga

Temos aqui por objeto de estudo a obra "Teresa" de Tunga. Nela as combinatórias do legível e do visível derivam de uma estética barroca onde o excesso rasga os limites artisticos: da escultura à instalação, do desenho à performance, do vídeo à textos, de manifestações cênicas até experiências plástico- sonoras. Sua obra trata de ir ao encontro de uma poética onde a aglomeração se impõe como uma faísca provocadora visando a manifestação de uma complexidade formal e conceitual, fazendo parte de uma constelação estética que configura um espaço onde é possível pensar um conceito ampliado de arte.

As an object of study here, we have "Teresa" a work of art created by Tunga. readable and visible elements derive from a baroque aesthetic where excess tear the artistic boundaries: from sculpture to installation, design to performance , video to text, scenic manifestations to sound plastic- experiences, is work comes to meet a poetic where the agglomeration is imposed as a provocative spark. Art work of formal and conceptual complexity, as part of an aesthetic constellation that sets up a space of an expanded concept of art.

Apropriação e ironia na instalação 'Vestidas de branco' de Nelson Leirner

Ao instigar o júri formado por reconhecidos críticos a esclarecerem os critérios adotados para aceitarem o porco empalhado enviado por ele ao IV Salão de Arte Contemporânea de Brasília (DF), em 1967, o paulista Nelson Leirner tornou-se conhecido pela irreverência e senso crítico. Dialogando com o conceito de ready-made e de objet-trouvé, passaria a se apropriar de objetos banais industrializados, em gesso ou plástico, adquiridos no comércio popular, formatando inusitados trabalhos com os quais ironiza a exploração da fé, a alienação do futebol, as mazelas políticas e a espetacularização dos ritos sociais, como ocorre na instalação: "Vestidas de branco", na qual articulou uma narrativa paródica sobre um casamento de faz-de-conta, objeto principal deste texto.

By instigating the jury of critics recognized to clarify the criteria adopted to accept the pork sent by him to the IV Hall of Contemporary Art of Brasília (DF), in 1967, the paulista Nelson Leirner became known for irreverence and critical thinking. Dialoguing with the concept of ready-made and objet-trouvé, would take ownership of industrialized banal objects, plaster or plastic, acquired the popular trade, formatting unusual works with which mocks the exploration of faith, alienation of football, political ills and turn on show the social rituals, as occurs in installation: " Dressed in white,"in which articulates a parodic narrative about a wedding make- account, the main object of this text.

Angie Bonino: Zoon politikon in videosphere

Para Angie Bonino, artista visual peruana de reconocimiento internacional, pionera del arte electrónico en el Perú de los 90, el video arte es un acontecimiento que implica al observador y lo hace participar en la construcción del mensaje. La ponencia se propone indagar cómo la artista aborda el video arte para hacer emerger en el observador la visión crítica propia de un Zoon politikón, con prácticas significantes del found footage y de la creación estética de realidades.

For Angie Bonino, Peruvian visual artist of international recognition, pioneer of electronic art in Peru in the 90s, video art is a happening which involves and engages the observer in the construction of the message. This paper proposes to investigate how the artist approaches video art. The paper proposes to investigate how the artist approaches the video art to bring out the critical sight of the observer, characteristic of a zoon politikon, with signifying practices found footage and creating aesthetic realities.

O redondo, o interior e o exterior: materializações do desejo na escultura monumento 'Tocar o Sol', de Quintino Sebastião

Este artigo analisa os documentos do artista Quintino Sebastião (1940) em busca da imagem geradora da obra "Tocar o Sol", de 2001. São 148 cadernos que permitem identificar tendências e intencionalidades do projeto poético da obra. A imagem geradora (o redondo) revela uma tendência deste artista, e parece decorrer das formas arredondadas de seios femininos. O estudo estrutura-se na crítica de processo e na crítica inferencial; além da fenomenologia do redondo e a dialética do exterior e do interior de Bachelard.

This article looks at the documents the artist Quintino Sebastião (1940), which refers to the initial image of the public art piece "Touch the Sun", 2001. We identified, in 148 sketchbooks, some of his thought about his intentions and choices to the project. The image (Round) reveals an artist's tendency to the women body sensuality, and seems to follow the rounded shape of female breasts. The study focuses on the process of critical and inferential criticism; beyond the phenomenology of the round and the dialectics of outside and inside.

Marcos Covelo: 'painting with without paint'

Este artículo presenta una serie de instalaciones y metodología de creación llevada a cabo por el joven artista español Marcos Covelo. En concreto, su interés por la pintura en el campo expandido nace fundamentalmente al desarrollar su Trabajo Fin de Máster (TFM) de la mano de los artistas Nono Bandera y Almudena Fernández Fariña. Esta última es autora de la tesis doctoral 'Lo que la pintura no es. La lógica de la negación como afirmación del campo expandido de la pintura'. De modo que, es un buen ejemplo de cómo una tesis doctoral puede ser una fuente de motivación aplicable en la práctica artística.

This article presents a series of installations and creation methodology carried out by the young Spanish artist Marcos Covelo. In particular, his interest in Painting in the expanded field arises primarily in developing its Master's Thesis from the hand of the artist Nono Bandera and Almudena Fernández Fariña. The latter is the author of the doctoral thesis' What the painting is not. The logic of denial like affirmation of the expanded field of Painting'. So, it is a good example of how a doctoral thesis can be a source of motivation applicable in artistic practice.

'Tudo está relacionado'de André Penteado, ou o momento em que Angela Davis habitou uma sala comercial na avenida Sumaré

O presente artigo conta um trajeto no interior da mostra Tudo está relacionado, do artista brasileiro André Penteado. Montada em um andar de um edifício comercial em uma importante avenida da cidade, a exposição pode ser lida como um atlas que une três séculos de imagens da família de Penteado conjuntamente com seus projetos artísticos. Livros de artista convivem com arquivo familiar e fotos avulsas, bem como negativos preto e branco, fotografados por uma tia, chamada Gilda, quando morou nos Estados Unidos nos anos 1970, e entre essas imagens uma fotografia de Angela Davis, filósofa e ativista do movimento Pantera Negra.

This paper tells the trajectory of the exhibition "Everything is related", by Brazilian artist André Penteado. Assembled on a floor of a commercial building on an important avenue of the city, the show can be understood as an atlas that unifies three centuries of images of Penteado's family put together with his artistic projects. Artist books are together with the family archive. There are also separate photographs, besides black and white, 35mm negatives shot by Gilda, an aunt when she lived in the United States in the 1970's; among these photos, one of Angela Davis, philosopher and activist of the Black Panther's Movement.

Silence in the hiding-house of Yolanda Ríos Coello

El objetivo de este artículo es acercarse a la obra "Habitar las obsesiones" de Yolanda Ríos, abordándolo desde la relación interfacial, las manos y el silencio como métodos de construcción espaciales. Para eso, se desarrollan diferentes enfoques teóricos relacionados con la arquitectura, la pintura y filosofía. Concluye este recorrido conceptual reflejando la unidad común que conforma la obra en su polisemia: La idea de que relacionarse o evitarse entre cuerpos es un modo de construir espacios.

The aim of this article is to approach the work "Habitar las obsesiones" which is made by Yolanda Rios. The text aproachs it with the intefacial sphere, the hands and the silence as spatial construction methods. For that, different theoretical sights to architecture, painting and philosophy are developed. This conceptual way concludes reflecting the basic unit that makes up the work in its multiple meanings: The idea that ralated or avoided between bodies is a manner of builing spaces.

The search for identity in the facilities and expressions of Eduardo Tokeshi, Peruvian visual artist

El trabajo del artista visual peruano, Eduardo Tokeshi, gira alrededor de dos pilares: la identidad y la fe, a través de la descontextualización de los objetos; los cuales rescata de sus usos primitivos y les da un (re)significado cuando los compone con otros objetos que simbolizan ideas y creencias. Este valor interpretativo crea un lenguaje simbólico e innovador, lúdico e irónico con el que presenta sus estructuras socioidentitarias que tienen una influencia del neo-pop y que devienen en arte conceptual, con una mezcla del figurativismo y el arte "chicha", como veremos en: "La vida es una caja" y la serie "Vida y milagros del hombre invisible".

Peruvian visual artist Eduardo Tokeshi's work develops around two major subjects: identity and faith, that he expresses through the decontextualization of objects, which he rescues from their primitive applications and (re)defines by setting them up with other objects that symbolize ideas and beliefs. This interpretative value creates a symbolic and powerful language, playful and ironic, with which he communicates his socio identity structures that come from the influence of neo-pop and thus become conceptual art, with a mixture of figurative art and "chicha", as discussed in: "Life is a box" and "Life and miracles invisible man" series.

Fragmentation as interference in Salomé Nascimento's artwork

El objetivo de este artículo es analizar la obra de Salomé Nascimento desde una metodología de la reconstrucción a través de los fragmentos. Partiendo de la obra "Escola 18#4", se investigan aspectos como la fragmentación o el libro como soporte de la representación. A pesar de tener una visión fragmentada y múltiple, se percibe la totalidad como una suma de diferentes partes que configuran un elemento común y totalizador. La percepción de dicho elemento se aleja del significado de unidad como elemento único

The purpose of this paper is to examine Salomé Nascimento's artwork from a reconstructive methodology through fragments. Starting from the specific artwork: "Escola 18#4", aspects as fragmentation or the book as representation base, are objects of research. In spite of a fragmented and many sided vision we can appreciate the whole work as the addition of different parts of the whole element which receded from the significance of the unity as a single element

Diptychs' Time: Analysis of Ruben Ramos Balsa's art process photographic work

Rubén Ramos Balsa (Santiago de Compostela, 1978) es un artista multidisciplinar que lleva quince años inmerso en el hacer artístico e investigador, siendo una de sus líneas principales de trabajo el análisis comparativo entre la medición y la representación del tiempo. Este trabajo analiza, precisamente, su manera de utilizar la imagen doble como documentadora de experiencias procesuales. Asimismo, a través de su obra, pretendo incidir en la importancia del díptico como soporte articulador de suceso y repetición en la iconografía plástica actual.

Rubén Ramos Balsa (Santiago de Compostela, 1978) is a multidisciplinary artist who during the last fifteen years has been immersed in the research and creation of art. His main line of work has been the comparative analysis between time measurement and time representation. This paper precisely analyses the way in which he uses the double image to document process art and experiences. Throughout his work, I also intend to stress the importance of diptychs as an articulating support of event and repetition in the current plastic iconography.

The importance of place in Carlos Rodríguez-Méndez's work

Este artículo analiza la importancia que la elección del lugar tiene en la obra del artista español Carlos Rodríguez-Méndez, a través de cuatro de sus obras. Se estudia la relación entre el lugar de la obra, el material y el concepto de hogar, así como su manera procesual de entender la práctica escultórica, para poder comprobar que uno de los principales objetivos de su obra es el de pertenencia a un lugar determinado.

This article examines the importance of place in the work of Spanish artist Carlos Rodríguez-Méndez, through four of his works. The relationship between the place of the work, the material and the concept of home is studied, as well as his processual way of understanding the sculptural practice, to verify that belonging is one of the main objectives of his work.

A pintura reflexiva de Gil Heitor Cortesão

O presente artigo pretende dar a conhecer a obra do pintor português Gil Heitor Cortesão, contextualizando-a não apenas no campo alargado da arte contemporânea, mas também no terreno específico da pintura actual. Ao debruçarmo-nos sobre o trabalho deste artista, pretendemos igualmente tecer um comentário à posição (tantas vezes polémica) ocupada pela pintura na arte dos nossos dias.

This article aims to present the work of Portuguese painter Gil Heitor Cortesão, contextualizing it not only in the broad field of contemporary art, but also in the specific field of contemporary painting. By reflecting on the work of this artist, we also intend to make a comment to the position (often controversial) occupied by painting in the art of our day.

Álvaro Lapa: A imagem e o compromisso com a literatura

Este artigo reflete sobre a importância da literatura na pintura de Álvaro Lapa, tentando mostrar como o cruzamento da escrita com a imagem, se pode tornar uma estratégia de 'corrupção' de ambos os códigos, ao perverter, simultaneamente, as regras do mimetismo da imagem e do significado do texto, acentuando, desse modo, polissemias e ampliando as possibilidades de significação que podem atingir, no limite, a incomunicabilidade.

This article reflects on the importance of literature in the painting of Álvaro Lapa, trying to show how writing across with the image can become a strategy of 'corruption' of both codes, perverting, simultaneously, the rules of mimicry image and meaning of the text, highlighting thereby polysemies and enlarging the meaning possibilities that can achieve, ultimately, the incommunicability.

Barrão e Bordallo: um diálogo

Esta comunicação é sobre a obra chamada Terrina Noé, feita por Barrão, artista plástico contemporâneo brasileiro, a partir das peças criadas por Rafael Bordallo Pinheiro, caricaturista e ceramista português do final do século XIX. Esta peça foi criada no âmbito do projeto 20 Bordalianos do Brasil, que partiu da premissa de articular a herança do grande artista com seus admiradores contemporâneos. A peça é analisada no contexto da obra de Barrão e das suas estratégias de instauração

This communication is about the work entitled Terrina Noé, made by Barrão, Brazilian contemporary artist, from pieces created by Rafael Bordallo Pinheiro, Portuguese cartoonist and ceramist of the late nineteenth century. This piece was created under the project 20 Bordalianos of Brazil, which started from the premise articulate the legacy of the great artist with his contemporary admirers. The piece is analyzed in the context of Barrão works and his creation strategies.

A Potência transformadora do 'Caboclo de Arthur Scovino'

Este artigo apresenta a produção do artista brasileiro Arthur Scovino, que vem articulando projetos em que arte e cultura brasileira são ativadas enquanto deflagradores para processos para a performance, constituindo um projeto artístico complexo e sensível, em pleno diálogo com matrizes culturais do povo brasileiro.

This paper presents the production of Brazilian artist Arthur Scovino, which has been articulating projects where art and Brazilian culture are activated as triggers for processes for performance, making an art project complex and sensitive, in the dialogue with cultural matrices of the Brazilian people.