Scielo RSS <![CDATA[Revista :Estúdio]]> http://www.scielo.mec.pt/rss.php?pid=1647-615820180004&lang=pt vol. 9 num. 24 lang. pt <![CDATA[SciELO Logo]]> http://www.scielo.mec.pt/img/en/fbpelogp.gif http://www.scielo.mec.pt <![CDATA[<b>Em torno de uma geografa do quotidiano</b>: <b>arte e emancipação</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400001&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Convivemos com a alienação há pouco tempo: ela é denunciada na sociedade industrial através da relação prioritária do homem com os objetos, e pela redução crescente da relação do homem consigo próprio, e com os seus semelhantes. O homem, mais rico, hoje, é no fundo muito mais pobre. Há uma função superior nos artistas, como estes o perceberam, pois estavam atentos há muito, e eram ágeis a apontar absurdos, ou em apresentar a cor verdadeira dos corpos humanos, na sua beleza e fraqueza profundas. Assim são os artistas apresentados neste número da Revista Estúdio.<hr/>We are living with alienation only a short time ago: it is denounced in the industrial society through the priority relation of man with objects, and by the increasing reduction of the relationship of man with himself and with his fellow men. The richest man today is in the end much poorer. There is a superior role for artists, as they perceived it, for they had long been attentive, and were quick to point out absurdities, or to present the true color of human bodies in their deep beauty and weakness. There is a superior role for artists, as they perceived it, for they had long been attentive, and were quick to point out absurdities, or to present the true color of human bodies in their deep beauty and weakness. So are the artists presented in this issue of Study Journal. <![CDATA[<b>Aurélia de Souza</b>: <b>O Feminismo ao Espelho</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400002&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Neste artigo aborda-se a obra "Autorretrato (com laço)" (c. 1897) e outras três obras da pioneira mulher artista portuguesa Aurélia de Souza. A análise iconográfica revela uma artista ativamente crítica e plenamente consciente da discriminação de género da sociedade oitocentista da qual também foi vítima. Conclui-se que a sua obra e importância como figura da história da arte vem sendo injustamente menorizada por teimosa discriminação de género.<hr/>This article deals with the work "Self-portrait (with tie)" (c. 1897) and three other works by the pioneer female portuguese artist Aurélia de Souza. Iconographic analysis reveals an artist who is actively critical and fully aware of the nineteenth century gender discrimination of which she was also avictim. It is concluded that her work and importance as amajor figure of art history has been unjustly distorted by a stubborn gender discrimination. <![CDATA[<b>Leire Muñoz</b>: <b>landscape in process (work in progress)</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400003&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt La relación del Arte con el Paisaje o con ciertos valores heredados, en cuanto a verdad, inducen a Leire Muñoz (GetxoBizkaia, 1983) hacia una práctica artística concienciada y real. Mediante (re)situaciones espaciales ensaya traer a presencia lo implícito en el carácter procesual de nuestros paisajes y su dependencia con hechos culturales. El proceder estéticoconstructivo de "Eco-Intervalo-ObstáculoResonancia-Reflexión" presentado en 2017 en CarrerasMúgica de Bilbao, nos permite reflexionar sobre estas cuestiones epocales.<hr/>The relationship of Art with the landscape or with certain inherited values, as far as the truth is concerned, lead Leire Muñoz (Getxo-Bizkaia, 1983) towards a conscientious and real artistic practice. Through (re) spatial situations she tries to bring the implicit view of the processual character of our landscapes and its dependence on cultural facts to presence. The aesthetic-constructive procedure of "Eco-Interval-Obstacle-Resonance-Reflection" presented in 2017 at CarrerasMúgica of Bilbao, allows us to reflect on these epoch-making questions. <![CDATA[<b>A milonga gaúcha na gênese do Quinteto para violão e quarteto de cordas, de Fernando Mattos</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400004&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt O presente trabalho analisa o uso da milonga gaúcha como elemento gerador do Quinteto para violão e quarteto de cordas (2008), do compositor brasileiro Fernando Mattos. Após uma breve contextualização da milonga, analisa-se como esta serviu de base para a criação de uma série dodecafônica, da qual foram geradas matrizes a partir de distintas manipulações seriais. Descreve-se também o uso de outros elementos da milonga, bem como demais influências que contribuíram para o processo composicional.<hr/>The present work analyses the use of the gaucho milonga as a building element of the Quintet for guitar and string quartet (2008), by Brazilian composer Fernando Mattos. After examining the background of the milonga, we analyze how it served as a basis for the creation of atwelve-tone series, from which matrixes were generated through diverse serial manipulations. The use of other milonga elements is also investigated, as well as further influences that contributed to the composition process. <![CDATA[<b>Os registos tangíveis de Liene Bosquê</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400005&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt O trabalho de Liene Bosquê filia de uma investigação sistemática sobre a passagem do tempo e a forma como percecionamos um determinado lugar através da presença e ausência de quem anteriormente o habitou. A sua prática artística decorre de múltiplos processos de moldagem, impressão e apropriação de fragmentos arquitectónicos que se autonomizam na duplicação de linhas e volumes característicos dos edifícios. Conduzindo um aprofundamento da obra "Interior/Exterior", que Bosquê desenvolveu na cidade de Lisboa, o presente texto apresenta os seus registos tangíveis como uma membrana que expõe o avesso do espaço e a textura do tempo.<hr/>Liéne Bosquê investigates the passage of time, which changes place and how we look at place, through the presence and absence of who inhabit these places. Liene Bosquê's working process includes imprint, mold making and appropriation of architectural fragments. Using materials such as latex, clay, plaster, and fibers she collects and retains characteristic relays of buildings on another surfaces, eliciting notions of temporality, fragility, memory and history. With the focus on the site-specifics work "Interior/Exterior", held in the city of Lisbon, this paper aims to reveal her tangible registers as a membrane which exposes the reverse of space and the texture of time. <![CDATA[<b>Giordano Toldo e a viagem</b>: <b>estratégias da fotografia como marca da transformação do espaço urbano</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400006&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt O texto traz a análise de um trabalho de Giordano Toldo: Em busca de Eliot Erwitt, onde o artista procura um diálogo com o fotógrafo Eliot Erwitt (1928-) para uma reflexão sobre oespaço urbano eaexperiência com a cidade. Toldo parte das imagens realizadas para um livro dos anos 1950 pelo fotógrafo francoamericano, realizando um novo percurso pelos lugares sugeridos pelo livro. O objetivo é uma reflexão sobre as transformações da cidade, suas suas sombras, a fotografia como instrumento de conhecimento e serendiptismo.<hr/>The text brings the analysis of awork by Giordano Toldo: In search of Eliot Erwitt, where the artist seeks adialogue with photographer Eliot Erwitt (1928-) for areflection on the urban space and experience with the city. Awning is part of a 1950s book by the French-American photographer, dealing with the changes of the urban space, making a new journey through the places suggested by the book. The objective is areflection on the transformations of the city, its shadows, photography as an instrument of knowledge and serendipity. <![CDATA[<b>Porque a toalha de mesa apareceu na pintura de Adriane Hernandez?</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400007&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt O texto versa sobre as pinturas recentes da artista Adriane Hernandez que apresentam composições formadas pela imagem de plantas, folhas e pássaros atravessados por padrões reticulados em xadrez que costumam figurar em toalhas de mesa. Indaga-se sobre possíveis motivações para os acontecimentos pictóricos descritos nele, propondo que a sua presença é proveniente de uma especulação e de uma trajetória que partiu da pintura, visitou os objetos físicos e a fotografia para depois retornar à pintura.<hr/>The text deals with the recent paintings by the artist Adriane Hernandez that present compositions formed by the image of plants, leaves and birds crossed by reticulated patterns in chess that usually appear in tablecloths. He speculates on possible meanings and motivations for the pictorial events described in him, proposing that his presence comes from a speculation and a trajectory that departed from the painting, visited the physical objects and the photography to return to the painting. <![CDATA[<b>Violence without violence in the work of Manuel Franquelo-Giner</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400008&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt El objetivo de este artículo será el de acercarse a los métodos y lenguajes de la obra plástica de Manuel Franquelo-Giner. Abordándola desde un posible sentido poético personal, desde el cual analizo el encuentro con una serie de estrategias de "representación indirecta" de la violencia, en su hacer artístico. Es decir, cómo sus procedimientos de representación no resultan literalmente violentos, al recurrir a la desactivación de estos y a una alegorización acerca de los objetos del consumo humano.<hr/>The objective of this article will be to approach the methods and languages of the plastic work by Manuel Franquelo-Giner. Approaching it from apossible personal poetic sense, from which I analyze the encounter with a series of strategies of "indirect representation" of violence, in its artistic making. That is, how their representation procedures are not literally violent, by resorting to the deactivation of these and allegorization about the objects of human consumption. <![CDATA[<b>Wilton Azevedo</b>: <b>do gesto gráfico ao pixel</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400009&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Wilton Azevedo, artista e designer brasileiro, um dos pioneiros a incorporar a tecnologia e seus signos em sua produção artística, materializando o percurso onde os códigos gráficos e as linguagens visuais e sonoras, vão sendo subvertidas para o software, ou seja, o dispositivo digital vai incorporando as linguagens e códigos humanos, transformando-os em um único código, o digital, no entrelaçamento entre o gesto gráfico, a escrita, a fusão de linguagens artísticas e seus desdobramentos nos meios digitais.<hr/>Wilton Azevedo, Brazilian artist and designer, one of the pioneers to incorporate technology and its signs in its artistic production, materializing the way where the graphic codes and the visual and sound languages, are being subverted to the software, in other words, the digital gadget it incorporating the languages and human codes, transforming them into a single code, the digital, in the interlacement between graphic gesture, the writing, the fusion of artistic languages and their unfolding in digital media. <![CDATA[<b>Jéssica Mangaba</b>: <b>'no Álbum', uma memória construída</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400010&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt O artigo proposto possui como objetivo refletir acerca da série fotográfica No Álbum II da jovem artista visual brasileira Jéssica Mangaba (1988). A série é composta por 14 imagens que constroem/reconstroem, através de vestígios, lembranças vividas e não vividas de seu pai, criando uma memória construída e expandida no presente.Conceitos teóricos como o de Fotografia Expressão (Rouillé, 2009), Fotografia Expandida (Fernandes, 2002, 2006), Imagem Cristal (Fatorelli, 2003) e Memória (Bergson, 2010) serão abordados.<hr/>The proposed article aims to reflect on the photographic series In the Album II of the young Brazilian visual artist Jéssica Mangaba (1988). The series consists of 14 images that build / reconstruct, through vestiges, memories lived and not lived by her father, creating memory constructed and expanded in the present. Theoretical concepts such as Photography Expression (Rouillé, 2009), Expanded Photography (Fernandes, 2002, 2006), Crystal Image (Fatorelli, 2003), Memory (Bergson, 2010) will be approached. <![CDATA[<b>A Matéria da Escultura em João Castro Silva</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400011&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Nesta comunicação desenvolveremos uma breve análise de algumas das esculturas de João Castro Silva, realçando o papel semiótico das madeiras usadas como ponto de partida para as obras, nomeadamente as madeiras rudes provenientes dos estaleiros de obras, as madeiras trazidas às praias pelas tempestades juntamente com sargaços, ou as densas madeiras da grande criptoméria-japonica, com o objetivo de se perceber a importância da opção daquelas matérias específicas na percepção final da obra.<hr/>In this communication we will develop a brief analysis of some of João Castro Silva sculptures, highlighting the semiotic role of wood used as a starting point for the works, namely the rough woods from the construction sites, the wood brought to the beaches by the storms, or the dense woods of the cryptomeria-japonica, in order to perceive the importance of the choice of those specific materials in the final perception of the work. <![CDATA[<b>O que resta e o que se quebra na poética da perda e da destruição na casa labirinto de Raquel Andrade Ferreira</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400012&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt O presente artigo versa sobre as obras videográficas e objetuais "era domingo e o almoço havia sido servido" e "Narrativas de uma destruição" da artista brasileira e pesquisadora em arte Raquel Andrade Ferreira, realizadas no período dedoutoramento no Programa de PósGraduação em Artes Visuais pela Universidade Federal de Porto Alegre-PGAVI/UFGRS, sob orientação do prof. Dr, Hélio Fervenza. As duas obras são abordadas evidenciando a relação estabelecida entre o objeto em seu contexto de uso poético e o objeto em suas redes simblicas deperda e transformação dacasa em espaço de destruição, caos e labirinto da artista mulher. Assim como, evidenciaremos, alguns aportes teóricos evidenciados em sua tese e outros, como Rafael Ortiz, artista que se constituiu a partir de demolições, destroços, quebras e outras ações de destruição no âmbito amplo e a artista Martha Rosler que cerca-se das práticas do quebrar no campo doméstico.<hr/>This article deals with the videographic and object works "It was Sunday and lunch had been served" and "Narratives of a destruction" by Brazilian artist and art researcher Raquel Andrade Ferreira, produced during her doctoral period in the Visual Arts Postgraduate Program, at Federal University of Porto Alegre - PGAVI/ UFGRS, under the advisement of Prof. Dr. Hélio Fervenza. These two works are analyzed through showing the established relation between the object in its poetic use context and the object in its symbolic networks of loss and transformation of the house in a destruction space, in chaos and in labyrinth of the woman artist. <![CDATA[<b>A poética da matéria natural que se transmuta em organicidade</b>: <b>o olhar ecológico da artista Semea Kemil</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400013&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Este artigo apresenta a reflexão da artista plástica brasileira Semea Kemil. Através da arte, ela traz uma resignificação para a matéria natural, mesclando-a com materiais que ela recicla e reaproveita em suas experimentações e processos. Semea sensibiliza-se com a ideia de identidade da Natureza e atua como uma mediadora simbólica. Seu olhar metafórico se desloca para a matéria descartada pelo homem, que é reconfigurada como uma possibilidade de estabelecer um vínculo ou de repensar a Natureza.<hr/>This article presents the reflection of Brazilian plastic artist Semea Kemil. Through art, she brings a re-signification of natural matter, blending it with materials that she recycles and re-uses in her experiments and processes. Semea sensitizes herself to the idea of Nature's identity and acts as a symbolic mediator. Her metaphorical gaze shifts to matter discarded by man, which is reconfigured as the possibility of establishing a bond or rethinking Nature. <![CDATA[<b>'Entre Solaris e Nostalgias'</b>: <b>fotografia e pintura nas obras de Jociele Lampert</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400014&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt O presente artigo apresenta a análise de algumas obras da exposição individual "Solaris", da artista visual e pesquisadora brasileira Jociele Lampert, através de autores que dialogam com o filme, fotografia e outras técnicas artísticas. Utilizaram-se entrevista com a artista (2018) e o site pessoal da mesma (2017), onde encontramos seus trabalhos recentes. Sua obra mostra-se potente, estabelecendo reflexões sobre a materialidade e temporalidade no processo artístico.<hr/>The present article analyses some works of the exhibition "Solaris" by the brazilian researcher and visual artist Jociele Lampert. Authors who dialogue with the film, photography and other techniques as well as an interview with the artist (2018) and her personal website (2017) where her recent work can be seen were used. Her work is potent establishing reflections over materiality and temporality in the artistic process. <![CDATA[<b>O Uncanny na obra de Michaël Borremans</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400015&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt A partir do texto de Freud e atendendo à génese estética do Uncanny, pretende-se propor uma reflexão sobre a sua viabilidade conceptual e prática no imaginário pictórico do pintor Michaël Borremans. As pinturas deste autor, focam-se essencialmente numa temática aliada ao ser humano, contendo sempre uma atmosfera surrealista, que cria de forma ilusória imagens de uma estranha familiaridade, cheias de melancolia e estranhos pressentimentos. Partindo da análise de várias pinturas, pretende-se pensar sobre a abordagem do autor em termos da retórica da imagem, e de que forma o uncanny se manifesta na frágil dicotomia entre aquilo que se percebe e aquilo que se concebe, na sugestão mas constante negação de uma legibilidade palpável, não apenas pela temática utilizada, mas, essencialmente, pela criação de narrativas ambivalentes que suscitam o sentimento de algo ameaçadoramente estranho.<hr/>From the text of Freud and taking into account the aesthetic genesis of the Uncanny concept, it is proposed a reflection on its conceptual and practical viability inside the pictorial work of the painter Michaël Borremans. The paintings of this author focus essentially on a thematic allied to the human being, but always containing a surrealist atmosphere, which illusively creates images of a strange familiarity, full of melancholy and strange forebodings. Starting from the analysis of several paintings, it is intended to think about the author's approach in terms of the rhetoric of the image, and how the uncanny manifests itself in the fragile dichotomy between what is perceived and what is conceived, in the suggestion but constant negation of a palpable readability, not only by the theme used, but, essentially, by the creation of ambivalent narratives that arouse the feeling of something threateningly strange. <![CDATA[<b>Vozes Dissonantes</b>: <b>a abstração geométrica de Rose Lutzenberger</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400016&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Rose Lutzenberger (Porto Alegre, RS, 1929) é autora de uma escultura de referência do acervo da Pinacoteca Barão de Santo Ângelo (PBSA/UFRGS). Nesse ensaio faremos uma breve análise da sua atuação como artista importante na introdução daabstração geométrica na produção visual do Rio Grande do Sul. Analisaremos seu processo artístico enquanto escultora e gravadora, cujos resultados podem ser sintetizados pela escultura em questão: um trabalho que é resultante de excepcionais operações com materiais industriais que, ao eliminar todo e qualquer vestígio de manualidade, normalmente associada às artes plásticas, coloca-a plenamente integrada à linguagem da abstração geométrica nacional e internacional.<hr/>Rose Lutzenberger (Porto Alegre, RS, 1929) is the author of a reference sculpture from the Barão de Santo Ângelo Pinacoteca collection (PBSA / UFRGS). In this essay we will briefly analyze her performance as a important artist in the introduction of geometric abstraction in the visual production of Rio Grande do Sul. We will analyze her artistic process as a sculptor and engraver, whose results can be synthesized by the sculpture in question: awork that is resulting from exceptional operations with industrial materials which, by eliminating any trace of craftsmanship, usually associated with the plastic arts, places it fully integrated in the language of national and international geometric abstraction. <![CDATA[<b>Sistema marginal</b>: <b>a coleção em Sara Ramo</b>]]> http://www.scielo.mec.pt/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1647-61582018000400017&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Este texto aborda a prática artística de Sara Ramo, que problematiza as tipologias dos objetos do cotidiano ao propor outros arranjos espaciais, como na série "Como aprender o que acontece na normalidade das coisas" (2002-2005) e na instalação "O jardim das coisas do sotão" (2004). A partir de Baudrillard (2002) contextualizam-se estas produções, enquanto táticas de resistência (Certeau, 2008), nas/pelas quais a artista negocia relações para objeto/hábito e objeto/tempo, desarticulando os processos culturais em sociedade.<hr/>The text is concerned with the Sara Ramo's poetics, which problematises the typologies of everyday objects by proposing other spatial arrangements, such as in the series "How to learn what happens in the normality of things" (2002-2005) and in the installation "The garden of things of the loft" (2004). From Baudrillard (2002) we intend to contextualize these productions, as "resistance tactics" (Certeau, 2008), in which the artist negotiates object/habit and object/time relations, while disarticulating the cultural processes in society.